1900-talets mest kontroversiella pjäser

Teatern är en perfekt plats för sociala kommentarer och många dramatiker har använt sin position för att dela sina åsikter om olika frågor som påverkar deras tid. Ganska ofta tänjer de på gränserna för vad allmänheten anser vara acceptabelt och en pjäs kan snabbt bli mycket kontroversiell.

1900-talets år var fyllda av sociala, politiska och ekonomiska kontroverser och ett antal pjäser skrivna under 1900-talet tog upp dessa frågor.

Hur kontroverser tar form på scenen

En äldre generations kontrovers är nästa generations banala standard. Kontroversbränderna bleknar ofta med tiden.

Till exempel när vi titta på Ibsens ”Ett dockhem” kan vi se varför det var så provocerande under slutet av 1800-talet. Men om vi skulle sätta ”A Doll's House” i dagens Amerika, skulle inte alltför många människor bli chockade av pjäsens slutsats. Vi kanske gäspar när Nora bestämmer sig för att lämna sin man och familj. Vi kanske nickar för oss själva och tänker: ”Japp, det finns ännu en skilsmässa, ännu en trasig familj. Big deal.”

Därför att teater tänjer på gränserna, den väcker ofta hetsiga samtal, till och med offentlig upprördhet. Ibland genererar påverkan av det litterära verket samhällsförändringar. Med det i åtanke, låt oss ta en kort titt på 1900-talets mest kontroversiella pjäser.

” Vårens uppvaknande”

Denna frätande kritik av Frank Wedekind är en av hyckleri och samhällets bristfälliga känsla för moral står upp för ungdomars rättigheter.

Den skrevs i Tyskland i slutet av 1800-talet och framfördes faktiskt inte förrän 1906.

    ”Spring's Awakening” har undertiteln ”A Children's Tragedy”. De senaste åren har Wedekinds pjäs (som har förbjudits och censurerats många gånger under sin historia) anpassats till en kritikerrosad musikal, och det med goda skäl.

    The handlingen är mättad med mörk, grubblande satir, tonårsångest, blomstrande sexualitet och berättelser om förlorad oskuld.

  • Huvudkaraktärerna är ungdomliga, sympatiska och naiva. De vuxna karaktärerna är däremot envisa, okunniga och nästan omänskliga i sin känslolöshet.
  • När de så kallade ”moraliska” vuxna styr av skam istället för medkänsla och öppenhet, tonåringen tecken betalar en stor avgift.
    Under decennier har många teatrar och kritiker ansåg ” Vårens uppvaknande

    ” pervers och olämplig för publik, som visar hur exakt Wedekind kritiserade sekelskiftesvärderingar.

    ”The Emperor Jones”

    Även om det i allmänhet inte anses vara den bästa pjäsen av Eugene O'Neill, är ”The Emperor Jones” kanske hans mest kontroversiella och banbrytande.

    Varför? Delvis på grund av dess viscerala och våldsamma natur. Delvis på grund av dess postkolonialistiska kritik. Men främst för att det inte marginaliserade den afrikanska och afroamerikanska kulturen i en tid då öppet rasistiska minstrelshower fortfarande ansågs vara acceptabel underhållning.

    Ursprungligen framförd tidigt 1920-talet beskriver pjäsen Brutus Jones uppgång och fall, en afroamerikansk järnvägsarbetare som blir en tjuv, en mördare, en förrymd straffånge, och efter att ha rest till Västindien, den självutnämnda härskaren över en ö. Även om Jones karaktär är skurkaktig och desperat, har hans korrupta värdesystem härletts genom att observera vita överklassamerikaner. När öfolket gör uppror mot Jones, blir han en jagad man – och genomgår en primär förvandling.

    Drama kritikern Ruby Cohn skriver:

  • ”The Emperor Jones” är på en gång ett gripande drama om en förtryckt amerikansk svart, en modern tragedi om en hjälte med ett fel, ett expressionistiskt uppdrag som undersöker huvudpersonens rasrötter; framför allt är den mer teatralisk än dess europeiska analoger, och gradvis snabbar upp tom-tomen från normal pulsrytm, tar bort färgglada kostymer till den nakna mannen under, underordnar dialogen innovativ belysning för att belysa en individ och hans rasarv. .

    Lika mycket som han var en dramatiker var O'Neill en samhällskritiker som avskydde okunnighet och fördomar. Samtidigt, medan pjäsen demoniserar kolonialismen, uppvisar huvudpersonen många omoraliska egenskaper. Jones är inte på något sätt en förebild.

    Afroamerikanska dramatiker som Langston Hughes, och senare Lorraine Hansberry, skulle skapa pjäser som hyllade svarta amerikaners mod och medkänsla. Detta är något som inte syns i O'Neills verk, som fokuserar på de turbulenta livet för övergivna, både svarta och vita.

    I slutändan får huvudpersonens djävulska karaktär att den moderna publiken undrar om ”The Emperor Jones” gjorde mer skada än nytta.

    ”Barnens timme”

    Lillian Hellmans drama från 1934 om en liten flickas destruktiva rykte berörs det som en gång var ett otroligt tabubelagt ämne: lesbianism. På grund av sitt ämne förbjöds ”The Children's Hour” i Chicago, Boston och till och med London.

    Pjäsen berättar om Karen och Martha, två nära (och mycket platoniska) vänner och kollegor. Tillsammans har de etablerat en framgångsrik skola för flickor. En dag hävdar en galen elev att hon sett de två lärarna som är romantiskt sammanflätade. I en häxjaktsstil följer anklagelser, fler lögner berättas, föräldrar får panik och oskyldiga liv förstörs.

    Den mest tragiska händelsen inträffar under pjäsens klimax. Antingen i ett ögonblick av utmattad förvirring eller stressinducerad upplysning, bekänner Martha sina romantiska känslor för Karen. Karen försöker förklara att Martha helt enkelt är trött och att hon behöver vila. Istället går Martha in i nästa rum (utanför scenen) och skjuter sig själv. I slutändan blev skammen som släpptes lös av samhället för stor, Marthas känslor för svåra att acceptera, vilket slutade med ett onödigt självmord.

    Även om det kanske är tamt med dagens mått mätt, banade Hellmans drama väg för en mer öppen diskussion om sociala och sexuella seder, vilket i slutändan leder till mer moderna (och lika kontroversiella) pjäser, som:

  • ”Änglar i Amerika ”
  • ”Facklalåttrilogin”

  • ”Böjd”
  • ”The Laramie Project”

  • Med tanke på utslag o För de senaste självmorden på grund av rykten, skolmobbning och hatbrott mot unga homosexuella och lesbiska, har ”The Children's Hour” fått en nyfunnen relevans.

    Mamma Courage och Hennes barn”

    Skriven av Bertolt Brecht i slutet av 1930-talet är Mother Courage en stilistisk men ändå bistert oroande skildring av krigets fasor.

    Titelkaraktären är en listig kvinnlig huvudperson som tror att hon kommer att kunna tjäna på krig. Istället, medan kriget pågår i tolv år, ser hon sina barns död, deras liv besegrades av det kulminerande våldet.

    I en särskilt hemsk scen ser Mother Courage hur hennes nyligen avrättade sons kropp kastas i en grop. Ändå erkänner hon honom inte av rädsla för att bli identifierad som fiendens moder.

    Även om pjäsen utspelar sig på 1600-talet, resonerade antikrigskänslan bland publiken under dess debut 1939 — och därefter. Under decennierna, under sådana konflikter som Vietnamkriget och krigen i Irak och Afghanistan, har forskare och teaterregissörer vänt sig till ”Mother Courage and Her Children”, för att påminna publiken om krigets fasor.

    Lynn Nottage blev så rörd av Brechts arbete att hon reste till det krigshärjade Kongo för att skriva sitt intensiva drama ”Förstörd”. Även om hennes karaktärer uppvisar mycket mer medkänsla än Mother Courage, kan vi se fröna till Nottages inspiration.

    ”Rhinoceros”

    Kanske det perfekta exemplet på The Theatre of the Absurd , ”Rhinoceros” är baserad på ett sanslöst konstigt koncept: Människor förvandlas till noshörningar.

    Nej, det är inte en pjäs om Animorphs och det är inte en science fiction-fantasi om -noshörningar (även om det skulle vara fantastiskt). Istället är Eugene Ionescos pjäs en varning för konformitet. Många ser förvandlingen från människa till noshörning som en symbol för konformism. Pjäsen ses ofta som en varning för framväxten av dödliga politiska krafter som stalinism och fascism.

    Många tror att diktatorer som Stalin och Hitler måste ha hjärntvättat medborgarna som om befolkningen på något sätt blivit lurad att acceptera en omoralisk regim. Men i motsats till vad folk tror, ​​visar Ionesco hur vissa människor, som dras mot konformitetens tåg, gör ett medvetet val att överge sin individualitet, till och med sin mänsklighet och ge efter för samhällets krafter.

    Lämna ett svar

    Relaterade Inlägg

    • Hamlet – Karaktärsanalys och relationer

    • Sammanfattning av ”Othello” akt tre, scener 1-3

    • ”Othello” Akt 2 Sammanfattning

    • ”Othello” akt 5, scen 2

    • Karaktärsanalys: Kung Lear

    • Akt 4, Scen 6 Analys