5 av de bästa pjäserna av Tennessee Williams

Från 1930-talet fram till sin död 1983 skapade Tennessee Williams några av USA:s mest älskade dramer. Hans lyriska dialog droppar av hans speciella märke av Southern Gothic – en stil som finns hos skönlitterära författare som Flannery O'Connor och William Faulkner, men som inte ofta ses på scenen.

Under sin livstid skapade Williams över 30 pjäser i full längd förutom noveller, memoarer och poesi. Hans guldålder utspelade sig dock mellan 1944 och 1961. Under denna period skrev han sina mäktigaste pjäser.

Det är inte lätt att bara välja fem pjäser av Williams hantverk, men följande är de som kommer för alltid förbli bland de bästa dramerna för scenen. Dessa klassiker var avgörande för att göra Tennesee Williams till en av de bästa dramatiker i modern tid och de fortsätter att vara publikens favoriter.

#5 – 'The Rose Tattoo'

Många anser att detta är Williams mest komiska pjäs. Ursprungligen på Broadway 1951, ”The Rose Tattoo” är ett längre och mer komplicerat drama än några av Williams andra verk.

Det berättar historien om Serafina Delle Rose, en passionerad siciliansk änka som bor med sin dotter i Louisiana. Hennes förment perfekta man dör i början av pjäsen, och allt eftersom showen utvecklas förstör Serafinas sorg henne mer och mer.

Berättelsen utforskar teman som sorg och galenskap, tillit och svartsjuka, mor-dotter-relationer och nyfunnen romantik efter en lång period av ensamhet. Författaren beskrev ”The Rose Tattoo” som ”det dionysiska elementet i mänskligt liv”, eftersom det också handlar mycket om njutning, sexualitet och återfödelse.

Intressanta fakta:

      ”The Rose Tattoo” tillägnades Williams älskare, Frank Merlo.

        1951 vann ”The Rose Tattoo” Tony Awards för bästa skådespelare, skådespelerska, pjäs och scenisk design.

      Italienska skådespelerskan Anna Magnani vann en Oscar för sin skildring av Serafina i 1955 års filmatisering av ”The Rose Tatuering.”

        1957 års produktion i Dublin, Irland avbröts av polisen, eftersom många ansåg att det var ”ojämn underhållning”, – en skådespelare bestämde sig för att mima att en kondom tappas (med vetskap om att det skulle orsaka uppståndelse).

          #4 – 'Leguanas natt'

          Tennessee Williams ”Night of the Iguana” är den sista av hans pjäser som blev kritikerrosad. Den uppstod som en novell, som Williams sedan utvecklade till en enaktare, och slutligen treakterspjäsen.

          Den övertygande huvudpersonen, ex-pastorn T. Lawrence Shannon, som har blivit utesluten från sin kyrkogemenskap för kätteri och filander, är nu en alkoholiserad reseguide som leder en missnöjd grupp unga kvinnor till en liten mexikansk semesterort.

          Där frestas Shannon av Maxine, den lustfyllda änkan och ägaren till hotellet där gruppen hamnar på. Trots Maxines uppenbara sexuella inbjudningar verkar Shannon vara mer attraherad av en fattig, mildhjärtad målare och nybörjare, Miss Hannah Jelkes.

          En djup känslomässig koppling bildas mellan de två, dvs i skarp kontrast till resten av Shannons (lustfyllda, instabila och ibland olagliga) interaktioner. Liksom många av Williams pjäser, ”Night of the Iguana” är djupt mänsklig, full av sexuella dilemman och mentala sammanbrott.

            Intressanta fakta:

              Den ursprungliga Broadway-produktionen från 1961 innehöll Betty Davis i rollen som de förföriska och ensamma Maxine och Margaret Leighton i rollen som Hannah, som hon fick Tony Award för.

            Filmatiseringen från 1964 regisserades av den produktive och mångsidiga John Huston.

            Den andra filmatiseringen var en serbisk- Kroatisk produktion.

              Precis som huvudpersonen kämpade Tennessee Williams med depression och alkoholism.

        #3 – 'Katt på ett varmt plåttak'

        Denna pjäs blandar inslag av tragedi och hopp och anses av vissa vara det mest kraftfulla verket i Tennessee Williams samling.

        Den utspelar sig på en sydlig plantage som ägs av huvudpersonens far (Big Daddy). Det är hans födelsedag och familjen samlas för att fira. Det som inte nämns är att alla förutom Big Daddy och Big Mama vet att han lider av dödlig cancer. Pjäsen är alltså full av bedrägeri, då eftervärlden nu försöker vinna hans gunst i hopp om påkostat arv.

        Huvudpersonen Brick Pollitt är Big Daddys favorit, men ändå alkoholiserade son, som är traumatiserad av förlusten av sin bästa vän Skipper och sin fru Maggies otrohet. Som ett resultat är Brick inte det minsta bekymrad över syskonens rivalitet om en plats i Big Daddys testamente. Hans förträngda sexuella identitet är det mest genomgående temat i pjäsen.

          Maggie ”katten” gör dock allt hon kan för att ta emot arvet. Hon representerar den mest egensinniga av dramatikerns kvinnliga karaktärer, när hon ”klor och skrapar” sig ut ur dunkel och fattigdom. Hennes otyglade sexualitet är ett annat mycket kraftfullt inslag i pjäsen.

        Intressanta fakta:

          • ”Katt på ett hett plåttak” vann Pulitzerpriset 1955.
            Pjäsen anpassades till en film från 1958 som med Paul Newman, Elizabeth Taylor och Burl Ives, som också startade rollen som Big Daddy på Broadway.

        På grund av tung censur förblev samma film inte mycket nära den ursprungliga pjäsen. Påstås ha gått ut från biografen Tennessee Williams 20 minuter in i filmen. Den drastiska förändringen var att filmen helt försummade den homosexuella aspekten av originalpjäsen.

      #2 – 'The Glass Menagerie'

      Många hävdar att Williams första stora framgång är hans starkaste spel. Tom Wingfield, huvudpersonen i 20-årsåldern, är familjens försörjare och bor med sin mamma Amanda och syster Laura.

      Amanda är besatt av antalet friare hon brukade ha när hon var ung, medan Laura är extremt blyg och sällan lämnar huset. Istället sköter hon sin samling av glasdjur.

      ”The Glass Menagerie” är full av desillusioner eftersom var och en av karaktärer verkar leva i sin egen, ouppnåeliga drömvärld. Visst ställer ”The Glass Menagerie” ut dramatikern när han är som mest personlig. Det är moget med självbiografiska uppenbarelser:

    • Den frånvarande pappan är en resande säljare—liksom Williams pappa.
        Den fiktiva familjen Wingfield bodde i St Louis, liksom Williams och hans verkliga familj.
    • Tom Wingfield och Tennessee Williams delar samma förnamn. Dramatikerns riktiga namn är Thomas Lanier Williams III.

    • Den ömtåliga Laura Wingfield var modellerad efter Tennessee Williams syster, Rose. I verkligheten led Rose av schizofreni och fick så småningom en partiell lobotomi, en destruktiv operation som hon aldrig återhämtade sig från. Det var en ständig källa till hjärtesorg för Williams.
    • Med tanke på de biografiska sambanden kan den beklagande monologen i slutet av pjäsen kännas som en personlig bekännelse.

      Tom : Då rör min syster på en gång min axel. Jag vänder mig om och ser henne i ögonen…

      Åh, Laura, Laura, jag försökte lämna dig bakom mig, men jag är mer trogen än vad jag tänkt vara!

      Jag sträcker mig efter en cigarett, jag korsar gatan, jag springer in på bio eller en bar, jag köper en drink , jag talar med närmaste främling — allt som kan blåsa dina ljus !

      – för nuförtiden är världen upplyst av blixtar! Släck dina ljus, Laura – och så adjö.

        Intressanta fakta:

        Paul Newman regisserade 1980-talets filmatisering, som hade hans fru Joanne Woodward i huvudrollen.

      Filmen innehåller ett intressant ögonblick som inte finns i originalpjäsen: Amanda Wingfield lyckas faktiskt sälja en tidningsprenumeration via telefon. Det låter trivialt, men det är faktiskt en hjärtevärmande triumf för karaktären – en sällsynt ljusstråle i en annars grå och trött värld.

        #1 – 'A Streetcar Named Desire '

        Av de stora pjäserna av Tennessee Williams innehåller ”A Streetcar Named Desire” de mest explosiva ögonblicken.

        Detta är kanske hans mest populära pjäs.

        Tack vare regissören Elia Kazan och skådespelarna Marlon Brando och Vivian Leigh blev historien en rörelse bildklassiker. Även om du inte har sett filmen har du förmodligen sett det ikoniska klippet där Brando skriker efter sin fru, ”Stella!!!!”

        Blanche Du Bois fungerar som den vanföreställningar, ofta irriterande, men i slutändan sympatiska huvudpersonen . Hon lämnar sitt elaka förflutna bakom sig och flyttar in i den förfallna lägenheten i New Orleans till sin medberoende syster och svåger Stanley – den farligt virile och brutale antagonisten.

        Många akademiska debatter och fåtöljedebatter har involverat Stanley Kowalski. Vissa har hävdat att karaktären inte är något annat än en aplik skurk/våldtäktsman. Andra menar att han representerar den hårda verkligheten i motsats till Du Bois opraktiska romantik. Ändå har vissa forskare tolkat de två karaktärerna som att de dras våldsamt och erotiskt till varandra.

        Ur en skådespelares synvinkel, ”Streetcar ”kan vara Williams bästa verk. Trots allt levererar karaktären Blanche Du Bois några av de mest givande monologerna inom modern teater. Som exempel, i denna provocerande scen berättar Blanche om sin bortgångne makes tragiska död:

        Blanche: Han var en pojke, bara en pojke, när jag var en mycket ung flicka. När jag var sexton år gjorde jag upptäckten – kärlek. Allt på en gång och mycket, alldeles för fullständigt. Det var som att du plötsligt tände ett bländande ljus på något som alltid varit halvt i skuggan, det var så det slog världen för mig. Men jag hade otur. Vilseledd. Det var något annorlunda med pojken, en nervositet, en mjukhet och ömhet som inte var som en mans, även om han inte var det minsta kvinnlig ut – ändå – den där saken fanns där… Han kom till mig för att få hjälp. Det visste jag inte. Jag fick inte reda på något förrän efter vårt äktenskap när vi rymde och kom tillbaka och allt jag visste var att jag hade svikit honom på något mystiskt sätt och inte kunde ge den hjälp han behövde men kunde inte tala av! Han låg i kvicksanden och kramade om mig – men jag höll inte ut honom, jag halkade in med honom! Det visste jag inte. Jag visste ingenting förutom att jag älskade honom outhärdligt men utan att kunna hjälpa honom eller hjälpa mig själv. Sen fick jag reda på det. På det värsta av alla möjliga sätt. Genom att plötsligt komma in i ett rum som jag trodde var tomt – som inte var tomt, utan hade två personer i det…pojken jag hade gift mig med och en äldre man som varit hans vän i flera år…
        Efteråt låtsades vi att ingenting hade upptäckts. Ja, vi tre körde ut till Moon Lake Casino, väldigt fulla och skrattade hela vägen.

        Vi dansade Varsouviana! Plötsligt, mitt i dansen, bröt pojken jag hade gift mig ifrån mig och sprang ut från kasinot. Några ögonblick senare – ett skott!

        Jag sprang ut – allt gjorde det! – alla sprang och samlades om det hemska vid sjökanten! Jag kunde inte komma nära för trängseln. Då tog någon tag i min arm. ”Gå inte närmare! Kom tillbaka! Du vill inte se!” Ser? Se Vadå! Sedan hörde jag röster säga — Allan! Allan! Den grå pojken! Han hade stuckit in revolvern i munnen och sköt — så att bakhuvudet hade blivit — bortblåst!

        Det berodde på att – på dansgolvet – inte kunde hejda mig själv – jag plötsligt sa – ”Jag såg! Jag vet! Du äcklar mig…” Och sedan släcktes strålkastaren som hade tänts på världen igen och aldrig för ett ögonblick sedan dess har det funnits något ljus som är starkare än detta – köket – ljus…

        Intressanta fakta:

        Jessica Tandy vann Tony Award för bästa prestation av en huvudrollsinnehavare för sin roll som Blanch Du Bois i pjäsen.

        Som sådan skulle hon ursprungligen också spela rollen i filmen. Det verkar dock som att hon inte hade ”star power” för att locka filmbesökare, och efter att Olivia de Havilland hade tackat nej till rollen gavs den till Vivien Leigh.

          Vivien Leigh vann en Oscar för Bästa kvinnliga huvudroll i filmen, liksom birollerna Karl Malden och Kim Hunter. Marlon Brando vann dock inte bästa skådespelare trots att han var nominerad. Den titeln gick till Humphrey Bogart för ”The African Queen” 1952.

        Lämna ett svar

        Relaterade Inlägg

        • Hamlet – Karaktärsanalys och relationer

        • Sammanfattning av ”Othello” akt tre, scener 1-3

        • ”Othello” Akt 2 Sammanfattning

        • ”Othello” akt 5, scen 2

        • Karaktärsanalys: Kung Lear

        • Akt 4, Scen 6 Analys