”Nattvakt” – Rembrandt ”Night Watch” av Rembrandt. Olja på duk. I samlingen av Rijksmuseum i Amsterdam.Rijksmuseum / Amsterdam
Målningen ”Nattvakt” av Rembrandt finns i Rijksmuseum i Amsterdam. Som bilden visar är det en enorm målning: 363×437 cm (143×172″). Rembrandt avslutade den 1642. Dess sanna titel är ”The Company of Frans Banning Cocq and Willem van Ruytenburch”, men den är mer känd precis som Nattvakt. (Ett företag är en milisvakt).
Sammansättningen av målningen var mycket annorlunda för perioden. Istället för att visa figurerna på ett snyggt och välordnat sätt, där alla fick samma framträdande plats och utrymme på duken, har Rembrandt målat upp dem som en upptagen grupp i aktion.
Runt 1715 målades en sköld på ”Nattvakten” som innehöll namnen på 18 personer, men bara några av namnen hade någonsin identifierats. (Så kom ihåg om du målar ett gruppporträtt: rita ett diagram på baksidan med namnen på alla så att framtida generationer kommer att få reda på det!) I mars 2009 avslöjade den holländska historikern Bas Dudok van Heel äntligen mysteriet om vem som är vem i målningen. Hans forskning fann till och med klädesplagg och accessoarer avbildade i ”Nattvakten” som nämns i inventeringar av familjegods, som han sedan sammanställde med de olika milismännens ålder 1642, året då målningen färdigställdes.
Dudok van Heel upptäckte också att det i hallen där Rembrandts ”Nattvakt” först hängdes upp, fanns sex gruppporträtt av en milis som ursprungligen visades i en kontinuerlig serie, inte sex separata målningar som man länge har trott. Snarare bildade de sex gruppporträtten av Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart och Flinck en obruten fris som var och en matchade varandra och fixerade i rummets träpaneler. Eller, det var meningen. Rembrandts ”Nattvakt” passar inte med de andra målningarna i varken komposition eller färg. Det verkar som att Rembrandt inte höll sig till villkoren för sitt uppdrag. Men då, om han hade haft det, skulle vi aldrig ha haft det här påfallande annorlunda 1600-talets gruppporträtt.
”Hare” – Albrecht Dürer Albrecht Dürer, Hare, 1502. Akvarell och gouache, pensel, förhöjd med vit gouache.Albertina Museum
Vanligtvis hänvisad till som Dürers kanin, den officiella titeln på denna målning kallar den en hare. Målningen finns i den permanenta samlingen av Batliner-samlingen på Albertina-museet i Wien, Österrike.
Den målades genom att använda akvarell och gouache, med vithöjdpunkterna gjorda i gouache (istället för att vara den omållade viten på papperet).
Det är ett spektakulärt exempel på hur päls kan målas. För att efterlikna det beror tillvägagångssättet du skulle ta på hur mycket tålamod du har. Om du har massor, målar du med en tunn pensel, ett hårstrå i taget. Använd annars en torrborstteknik eller dela hårstråna på en borste. Tålamod och uthållighet är viktigt. Arbeta för snabbt på våt färg, och de enskilda slagen riskerar att blandas. Fortsätt inte tillräckligt länge och pälsen kommer att verka sliten.
Takfresco i Sixtinska kapellet – Michelangelo
Sett som en helhet är takfresken i Sixtinska kapellet överväldigande; det är helt enkelt för mycket att ta in och det verkar otänkbart att fresken är designad av en konstnär.
Målningen av Michelangelo av Sixtinska kapellets tak är en av de mest kända fresker i världen.
Sixtinska kapellet är ett stort kapell i Apostoliska palatset, påvens (ledarens) officiella residens katolska kyrkan) i Vatikanstaten. Den har många fresker målade av några av renässansens största namn, inklusive väggfresker av Bernini och Raphael, men är mest känd för freskerna i taket av Michelangelo.
Michelangelo föddes den 6 mars 1475 och dog den 18 februari 1564. På uppdrag av påven Julius II, Michelangelo arbetade på taket i Sixtinska kapellet från maj 1508 till oktober 1512 (inget arbete utfördes mellan september 1510 och augusti 1511). Kapellet invigdes den 1 november 1512, på alla helgons högtid.
Kapellet är 40,23 meter långt, 13,40 meter brett och taket 20,70 meter över marken på sin högsta punkt 1. Michelangelo målade en serie bibliska scener, profeter och Kristi förfäder, såväl som trompe l’oeil eller arkitektur. Det huvudsakliga området i taket visar berättelser från berättelser i Första Moseboken, inklusive skapandet av mänskligheten, människans fall från nåden, syndafloden och Noa.
Sixtinska kapellets tak: En detalj Skapandet av Adam är kanske den mest kända panelen i det berömda Sixtinska kapellet. Lägg märke till att kompositionen är off-center.
Panelen som visar människans skapelse är förmodligen den mest kända scenen i den berömda fresken av Michelangelo i taket i Sixtinska kapellet.
Det sixtinska kapellet i Vatikanen har många fresker målade i den, men är mest känd för freskerna i taket av Michelangelo. Omfattande restaurering gjordes mellan 1980 och 1994 av Vatikanens konstexperter, och avlägsnade århundradens rök från ljus och tidigare restaureringsarbeten. Detta avslöjade färger mycket ljusare än tidigare trott.
Pigment som Michelangelo använde inkluderade ockra för rött och gult , järnsilikater för grönt, lapis lazuli för blått, och kol för svart.1 Allt är inte målat så detaljerat som det först verkar. Till exempel är figurer i förgrunden målade mer detaljerat än de i bakgrunden, vilket ökar känslan av djup i taket.
Mer om Sixtinska kapellet:
• Vatikanmuseerna: Sixtinska kapellet • Virtuell rundtur i Sixtinska kapellet
Källor:
1 Vatikanmuseerna: Sixtinska kapellet, Vatikanstatens webbplats, tillgänglig 9 september 2010.
Leonardo da Vinci Notebook
Denna lilla anteckningsbok av Leonardo da Vinci (officiellt identifierad som Codex Forster III) finns i V&A Museum i London.
Marion Boddy-Evans / Licensierad till About.com, Inc.
Renässan Konstnären Leonardo da Vinci är känd inte bara för sina målningar utan också för sina anteckningsböcker. Detta foto visar en i V&A Museum i London.
V&A Museum i London har fem av Leonardo da Vincis anteckningsböcker i sin samling. Den här, känd som Codex Forster III, användes av Leonardo da Vinci mellan 1490 och 1493 när han arbetade i Milano för hertig Ludovico Sforza.
Det är en liten anteckningsbok, den typ av storlek som du lätt kan ha i en rockficka. Den är fylld med alla möjliga idéer, anteckningar och skisser, inklusive ”skisser av en hästs ben, teckningar av hattar och kläder som kan ha varit idéer för kostymer vid baler, och en redogörelse för anatomin i det mänskliga huvudet.” 1 Även om du inte kan vända blad i anteckningsboken i museet, kan du bläddra igenom den online.
Att läsa hans handstil är inte lätt, mellan den kalligrafiska stilen och hans användning av spegelskrift (bakåt, från höger till vänster) men vissa tycker det är fascinerande att se hur han lägger in alla möjliga sorter i en anteckningsbok. Det är en fungerande anteckningsbok, inte ett spektakel. Om du någonsin oroar dig för att din kreativitetsdagbok inte på något sätt var korrekt gjord eller organiserad, ta din ledning från denna mästare: gör det som du behöver.
Källa:
1. Utforska Forster Codices, V&A Museum. (Tillgänglig 8 augusti 2010.)
”Mona Lisa” – Leonardo da Vinci ”Mona Lisa” av Leonardo da Vinci. Målad c.1503-19. Oljefärg på trä. Storlek: 30×20″ (77x53cm). Denna berömda målning finns nu i samlingen av Louvren i Paris.
Leonardo da Vincis ”Mona Lisa”-målning, i Louvren i Paris, är utan tvekan den mest kända målningen i världen. Det är förmodligen också det mest kända exemplet på sfumato, en målarteknik som delvis är ansvarig för hennes gåtfulla leende.
Det har varit många spekulationer om vem kvinnan på målningen var. Det tros vara en porträtt av Lisa Gherardini, hustru till en florentinsk tyghandlare vid namn Francesco del Giocondo. (1500-talets konstförfattare Vasari var bland de första som föreslog detta, i hans ”Lives of the Artists”). Det har också föreslagits Ason för hennes leende var att hon var gravid.
Konsthistoriker vet att Leonardo hade börjat ”Mona Lisa” 1503, eftersom en uppteckning om den gjordes det året av en hög florentinsk tjänsteman, Agostino Vespucci. När han slutade är det mindre säkert. Louvren daterade ursprungligen målningen till 1503-06, men upptäckter som gjordes 2012 tyder på att det kan ha dröjt så mycket som ett decennium senare innan den blev färdig, baserat på att bakgrunden var baserad på en ritning av stenar som han är känd för att ha gjort 1510 -15.
1 Louvren ändrade datumen till 1503-19 i mars 2012.
Källa:
1. Mona Lisa kunde ha färdigställts ett decennium senare än man trodde i The Art Newspaper, av Martin Bailey, 7 mars 2012 (åtkom 10 mars 2012)
Kända målare: Monet i Giverny
En del av anledningen till att den impressionistiska målaren Claude Monet är så känd är hans målningar av reflektionerna i liljedammarna. skapad i sin stora trädgård i Giverny. Det inspirerade i många år, ända till slutet av hans liv. Han skissade idéer till målningar inspirerade av dammarna och han skapade små och stora tavlor både som enskilda verk och serier.
Claude Monets signatur
Claude Monets signatur på hans Nympheas-målning från 1904.
Detta exempel på hur Monet signerade sina målningar är från en av hans näckrosmålningar. Du kan se att han har skrivit under det med ett namn och efternamn (Claude Monet) och årtal (1904). Det är i det nedre högra hörnet, tillräckligt långt in så att det inte skulle skäras av ramen.
Monets fullständiga namn var Claude Oscar Monet.
”Impression Sunrise” – Monet
”Impression Sunrise” av Monet (1872). Olja på duk. Cirka 18×25 tum eller 48×63 cm. För närvarande på Musée Marmottan Monet i Paris.
Denna målning av Monet gav namnet till den impressionistiska konststilen. Han ställde ut den 1874 i Paris i vad som blev känt som den första impressionistiska utställningen.
I sin recension av utställningen som han titulerade ”Utställning av impressionister”, sa konstkritikern Louis Leroy:
”Bakgrundsbilden i sitt embryonala tillstånd är mer färdig än den där havsbilden.”
Källa:
1. ”L’Exposition des Impressionnistes” av Louis Leroy,
Le Charivari, 25 april 1874, Paris. Översatt av John Rewald i
The History of Impressionism, Moma, 1946, s256-61; citerad i Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History av Bruce Altshuler, Phaidon, sid 42-43.
”Haystacks”-serien – Monet
En samling berömda målningar för att inspirera dig och utöka din konstkunskap.
Monet målade ofta en serie av samma motiv för att fånga ljusets föränderliga effekter, och bytte dukar allteftersom dagen fortskred.
Monet målade många ämnen om och om igen, men alla hans seriemålningar är olika, oavsett om det är en målning av en näckros eller en höstack. Eftersom Monets målningar är utspridda i samlingar runt om i världen, är det vanligtvis bara i specialutställningar som hans seriemålningar ses som en grupp. Lyckligtvis har Art Institute i Chicago flera av Monets höstacksmålningar i sin samling, eftersom de gör en imponerande visning tillsammans:
I oktober 1890 skrev Monet ett brev till konstkritikern Gustave Geffroy om höstacksserien han målade och sa:
”Jag är hård på det, jobbar envist på en rad olika effekter, men vid den här tiden på året går solen ner så snabbt att det är omöjligt att hänga med … ju längre jag kommer, desto mer ser jag att mycket arbete måste göras för att återge det jag letar efter: ’omedelbarhet’, ’höljet’ framför allt, samma ljus som sprids över allt … Jag blir alltmer besatt av behovet av att återge vad jag upplever, a och jag ber att jag ska ha några fler bra år kvar för mig eftersom jag tror att jag kan göra några framsteg i den riktningen…” 1
Källa:
1.
Monet by Himself, s172, redigerad av Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.
”Näckrosor” – Claude MonetGalleri med berömda målningar av kända konstnärer.
Claude Monet, ”Näckrosor”, ca. 19140-17, olja på duk. Storlek 65 3/8 x 56 tum (166,1 x 142,2 cm). I samlingen av Fine Arts Museum of San Francisco.
Monet är kanske den mest kända av impressionisterna, särskilt för sina målningar av reflektionerna i liljedammen i hans Giverny-trädgård. Denna speciella målning visar en liten bit av moln i det övre högra hörnet, och den fläckiga blåen av himlen som reflekteras i vattnet.
Om du studerar foton av Monets trädgård, som den här av Monets liljedamm och den här av liljeblommor, och jämför dem med den här målningen, får du en känsla för hur Monet minskade detaljerna i sin konst, inklusive endast essensen av scenen, eller intrycket av reflektion, vatten och lilja. Klicka på länken ”Visa full storlek” under bilden ovan för en större version där det är lättare att få en känsla för Monets pensel.
Den franske poeten Paul Claudel sa:
”Tack vare vatten har [Monet] blivit målaren av det vi kan inte se. Han vänder sig till den där osynliga andliga ytan som skiljer ljus från reflektion. Luftigt azurblått fångat av flytande azurblått… Färg stiger upp från vattnets botten i moln, i virvlar.”
Källa:
Sida 262 Vårt århundrades konst, av Jean-Louis Ferrier och Yann Le Pichon
Camille Pissarros signatur
Signatur av den impressionistiska konstnären Camille Pissarro på hans målning från 1870 ”Landskap i Vicinity of Louveciennes (Höst)”.
Målaren Camille Pissarro tenderar att vara mindre känd än många av hans samtida (som Monet) men har en unik plats i konstens tidslinje . Han arbetade som både impressionist och nyimpressionist, samt påverkade nu kända artister som Cézanne, Van Gogh och Gauguin. Han var den enda konstnären som ställde ut på alla åtta impressionistiska utställningar i Paris från 1874 till 1886.
Van Gogh självporträtt (1886/1887 ) Själv Porträtt av Vincent van Gogh (1886/1887). 41×32,5cm, olja på konstnärstavla, monterad på panel. I samlingen av Art Institute of Chicago.
Detta porträtt av Vincent van Gogh finns i konstinstitutets samling i Chicago. Den målades med en stil som liknar Pointillism men håller sig inte strikt till bara prickar.
Under de två år han bodde i Paris, från 1886 till 1888, målade Van Gogh 24 självporträtt. Art Institute of Chicago beskrev denna som att den använder Seurats ”prickteknik” inte som en vetenskaplig metod, utan ”ett intensivt känslomässigt språk” där ”de röda och gröna prickarna är störande och helt i linje med den nervösa spänningen som är uppenbar i van Goghs blick.”
I ett brev några år senare till sin syster, Wilhelmina, skrev Van Gogh:
”Jag målade två bilder av mig själv nyligen, varav en har snarare den sanna karaktären, tror jag, fastän i Holland de skulle antagligen håna idéerna om porträttmåleri som gror här … Jag tycker alltid fotografier är avskyvärda och jag gillar inte att ha dem i närheten, särskilt inte de av personer jag känner och älskar … fotografiska porträtt vissnar mycket snabbare än vi själva gör, medan det målade porträttet är något som känns, gjort med kärlek eller respekt för den person som avbildas.”
Källa: Brev till Wilhelmina van Gogh, 19 september 1889
Vincent van Goghs signatur”The Night Cafe” av Vincent van Gogh (1888).The Night Cafe av Van Gogh finns nu i samlingen från Yale University Art Gallery. Det är känt att Van Gogh endast signerade de målningar han var särskilt nöjd med, men vad som är ovanligt i fallet med denna målning är att han lade till en titel under sin signatur, ”Le café de Nuit.”
Observera Van Gogh signerade sina målningar helt enkelt ”Vincent”, inte ”Vincent van Gogh” eller ”Van Gogh” .”
I ett brev till sin bror Theo, skrivet den 24 Mars 1888 sa han:
”I framtiden mitt namn borde läggas in i katalogen när jag signerar den på duken, nämligen Vincent och inte Van Gogh, av den enkla anledningen att de inte vet hur man uttalar det senare namnet här.”
”Här” är Arles, i södra Frankrike.
Om du har undrat hur du uttalar Van Gogh, kom ihåg att det är ett holländskt efternamn, inte franska eller engelska. Så ”Gogh” uttalas, så det rimmar med det skotska ”loch”. Det är inte ”goff” eller ”go.”
The Starry Night – Vincent van GoghThe Starry Night av Vincent van Gogh (1889). Olja på duk, 29×36 1/4″ (73,7×92,1 cm). I samlingen av Moma, New York.Jean-Francois RichardDen här målningen , som möjligen är den mest kända målningen av Vincent van Gogh, finns i samlingen på Museum of Modern Art i New York.Van Gogh måladeThe Starry Nighti juni 1889, efter att ha nämnt morgonstjärnan i ett brev till sin bror Theo skrivet runt den 2 juni 1889: ”I morse såg jag landet från mitt fönster en lång tid före soluppgången, utan annat än morgonstjärnan, som såg väldigt stor ut.” Morgonstjärnan (egentligen planeten Venus, inte en stjärna) anses i allmänhet vara den stora vita som målats precis till vänster om mitten av målningen.Tidigare brev från Van Gogh nämner också stjärnorna och natthimlen och hans önskan att måla dem:1. ”När ska jag någonsin ta mig till att göra stjärnhimlen, den där bilden som alltid finns i mitt sinne?” (Brev till Emile Bernard, c.18 juni 1888)2. ”När det gäller stjärnhimlen, hoppas jag väldigt mycket på att få måla den, och kanske kommer jag att göra det någon av dessa dagar” (Brev till Theo van Gogh, ca 26 september 1888).3. ”För närvarande vill jag absolut måla en stjärnhimmel. Det förefaller mig ofta som om natten fortfarande är rikare än dagen, med nyanser av de mest intensiva violer, blått och grönt. Om du bara uppmärksammar den kommer du att ser att vissa stjärnor är citrongula, andra rosa eller en grön, blå och förgätmigej-glans… det är uppenbart att det inte räcker att sätta små vita prickar på den blåsvarta för att måla en stjärnhimmel.” (Brev till Wilhelmina van Gogh, 16 september 1888)The Restaurant de la Sirene, at Asnieres – Vincent van Gogh”The Restaurant de la Sirene, at Asnieres” av Vincent van Gogh.Marion Boddy-Evans (2007) / Licensierad till About.com, Inc. .Denna målning av Vincent van Gogh finns i samlingen av Ashmolean Museum i Oxford, Storbritannien. Van Gogh målade den strax efter att han kom till Paris 1887 för att bo med sin bror Theo i Montmartre, där Theo skötte ett konstgalleri.För första gången exponerades Vincent för impressionisternas målningar (särskilt Monet) och träffade konstnärer som Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard och Pissarro. Jämfört med hans tidigare verk, som dominerades av mörka jordtoner som är typiska för nordeuropeiska målare som Rembrandt, visar denna målning dessa konstnärers inflytande på honom.Färgerna han använde har blivit ljusare och ljusare, och hans pensel har blivit lösare och mer påtaglig. Titta på dessa detaljer från målningen, och du kommer att se hur han har använt små streck av ren färg, åtskilda. Han blandar inte färger på duken utan låter detta ske i betraktarens öga. Han testar impressionisternas trasiga färgsätt.Jämfört till hans senare målningar är färgremsorna åtskilda, med en neutral bakgrund som syns mellan dem. Han täcker ännu inte hela duken med mättad färg, och utnyttjar inte heller möjligheterna att använda penslar för att skapa textur i själva färgen.The Restaurant de la Sirene, at Asnieres av Vincent van Gogh (Detalj)Detaljer från ”The Restaurant de la Sirene, kl Asnieres” av Vincent van Gogh (olja på duk, Ashmolean Museum).Marion Boddy-Evans (2007) / Licensierad till About.com, Inc.Dessa detaljer från Van Goghs målning The Restaurant de la Sirene, i Asnieres (i samlingen av Ashmolean Museum), visar hur han experimenterade med sitt penselarbete och penselmärken efter exponering för målningarna av impressionisterna och andra samtida parisiska konstnärer.”Fyra dansare” – Edgar DegasEdgar Degas, fyra dansare, ca. 1899. Olja på duk. Storlek 59 1/2 x 71 tum (151,1 x 180,2 cm). I National Gallery of Art, Washington.”Porträtt av konstnärens mamma” – Whistler”Arrangement i grått och svart nr 1, porträtt av konstnärens mamma” av James Abbott McNeill Whistler (1834-1903) ). 1871. 144,3×162,5cm. Olja på duk. I samlingen av Musee d’Orsay, Paris.Detta är möjligen Whistlers mest kända målning. Dess fullständiga titel är ”Arrangemang i grått och svart No. 1, Portrait of the Artist’s Mother”. Hans mamma gick med på att posera för målningen när modellen Whistler hade använt blev sjuk. Han bad henne först att posera stående, men som ni ser gav han upp och lät henne sitta ner.På väggen finns en etsning av Whistler, ”Black Lion Wharf.” Om du tittar mycket noga på gardinen uppe till vänster om etsningen” I ram kommer du att se en ljusare fläck, det är fjärilssymbolen Whistler använde för att signera sina målningar. Symbolen var inte alltid densamma, men den förändrades och dess form används för att datera hans konstverk. Det är känt att han hade börjat använda den 1869.”Hope II” – Gustav Klimt
”Hope II” – Gustav Klimt.Jessica Jeanne / Flickr
”Den som vill veta något om mig — som en konstnär, det enda anmärkningsvärda – borde titta noga på mina bilder och försöka se i dem vad jag är och vad jag vill göra.” Klimt
Gustav Klimt målade
Hope II på duk 1907/8 med oljefärger, guld och platina. Den är 43,5×43,5″ (110,5 x 110,5 cm) stor. Målningen är en del av samlingen av Museum of Modern Art i New York.
Hope II
är ett vackert exempel på Klimts användning av bladguld i målningar och hans rika dekorativa stil. hur han har målat plagget som bärs av huvudfiguren, hur det är en abstrakt form dekorerad med cirklar men vi ”läser” det fortfarande som en kappa eller klänning. Hur det längst ner smälter in i de tre andra ansiktena.
I sin illustrerade biografi om Klimt sa konstkritikern Frank Whitford:
Klimt ”applicerade äkta guld- och silverblad för att ytterligare förstärka intrycket av att målningen är ett dyrbart föremål , inte på avstånd en spegel i vilken naturen kan skymtas utan en omsorgsfullt bearbetad artefakt.” 2
Det är en symbolik som fortfarande anses giltig nuförtiden med tanke på att guld är fortfarande betraktas som en värdefull vara.
Klimt bodde i Wien i Österrike och hämtade sin inspiration mer från öst än väst, från ”sådana källor som bysantinsk konst, mycensk metallarbete, persiska mattor och miniatyrer, mosaikerna från Ravennakyrkorna och japanska skärmar.” 3
Källa:
1.
Artister i sammanhang: Gustav Klimt
av Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), baksida.
2. Ibid. s82.3.
MoMA-höjdpunkter (Museum of Modern Art, New York, 2004), sid. 54
Picassos signatur
Picassos signatur på sin 1903 målning ”Porträtt av Angel Fernandez de Soto” (eller ”Absintsdrinkaren”).
Oli Scarff / Getty Images
Detta är Picassos signatur på hans målning från 1903 (från hans blå period) med titeln ” Absintsdrinkaren.”
Picasso experimenterade med olika förkortade versioner av sitt namn som hans målningssignatur, inklusive inringade initialer, innan han satte på ”Pablo Picasso”. Idag hör vi honom i allmänhet kallad ”Picasso”.
Hans fullständiga namn var:
Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso
1
.
Källa:
1. ”A Sum of Destructions: Picassos Cultures and the Creation of Cubism”, av Natasha Staller. Yale University Press. Sida s209.
”The Absinthe Drinker” – Picasso Picassos målning från 1903 ”Porträtt av Angel Fernandez de Soto” (eller ”Absintsdrinkaren”).Oli Scarff / Getty Images
Denna målning skapades av Picasso 1903, under hans blå period (en tid då toner av blått dominerade Picassos målningar; när han var i tjugoårsåldern). Den presenterar konstnären Angel Fernandez de Soto, som var mer entusiastisk över att festa och dricka än sin målning 1, och som delade studio med Picasso i Barcelona vid två tillfällen.
Tavlan lades ut på auktion i juni 2010 av Andrew Lloyd Webber Foundation efter en out-of- domstolsuppgörelse hade träffats i USA om ägande, efter ett påstående från ättlingar till den tysk-judiske bankiren Paul von Mendelssohn-Bartholdy om att målningen hade varit under tvång på 1930-talet under nazistregimen i Tyskland.
Källa: 1. Christie’s auktionshus pressmeddelande, ”Christie’s to Offer Picasso Masterpiece,” 17 mars 2010.
”Tragedin” – Picasso
”Tragedin” – Picasso.MikeandKim / Flickr
Pablo Picasso, Tragedin, 1903. Olja på trä. Storlek 41 7/16 x 27 3/16 tum (105,3 x 69 cm). I National Gallery of Art, Washington.
Det är från hans blå period, då hans målningar, som namnet antyder, alla dominerades av blues.
Skiss av Picasso för hans berömda ”Guernica”-målning Picassos skiss till hans målning ”Guernica.”. Gotor / Cover / Getty Images
Medan han planerade och arbetade på sin enorma målning Guernica gjorde Picasso många skisser och studier. Bilden visar en av hans kompositionsskisser, som i sig inte ser ut som mycket, en samling klottrade linjer.
Istället för att försöka tyda vad de olika sakerna kan vara och var det är i den slutliga målningen, tänk på det som Picasso-stenografi. Enkel markering för bilder han höll i sig. Fokusera på hur han använder detta för att bestämma var element ska placeras i målningen, på interaktionen mellan dessa element.
”Guernica” – Picasso
”Guernica” – Picasso
Denna berömda målning av Picasso är enorm: 11 fot 6 tum hög och 25 fot 8 tum bred (3,5 x 7,76 meter). Picasso målade den på uppdrag för den spanska paviljongen vid världsutställningen 1937 i Paris. Det är i Museo Reina Sofia i Madrid, Spanien.
”Portrait de Mr Minguell” – Picasso
”Portrait de Mr Minguell” av Pablo Picasso (1901). Oljefärg på papper lagt på duk. Storlek: 52×31,5cm (20 1/2 x 12 3/8in).
Picasso gjorde denna porträttmålning 1901 när han var 20. Ämnet en katalansk skräddare, Mr. Minguell, som man tror att Picasso introducerades av sin konsthandlare och vän. Pedro Manach1
. Stilen visar den utbildning Picasso hade i traditionellt måleri, och hur långt hans målarstil utvecklades under hans karriär. Att det är målat på papper är ett tecken på att det gjordes vid en tidpunkt då Picasso var pank, ännu inte tjänade tillräckligt med pengar på sin konst för att måla på duk.
Picasso gav Minguell tavlan i gåva, men köpte den senare tillbaka och hade den kvar när han dog 1973. Tavlan lades på duk och troligen också restaurerad under Picassos ledning ”någon gång före 1969”2, när den fotograferades för en bok av Christian Zervos om Picasso.
Nästa gång du är med i ett av de där middagsargumenten om hur alla icke-realistiska målare bara målar abstrakt, kubistisk, fauvist , impressionist, välj din stil eftersom de inte kan göra ”riktiga målningar”, fråga personen om de placerar Picasso i den här kategorin (de flesta gör det), nämn sedan den här målningen.
Källa:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Lot Details Impressionist and Modern Art Sale 22 juni 2010. (Åtkom 3 juni 2010.)
”Dora Maar” eller ”Tête De Femme” – Picasso
”Dora Maar” eller ”Tête De Femme” – Picasso.
Peter Macdiarmid / Getty Images
När den säljs på auktion i juni 2008 , såldes denna målning av Picasso för £7 881 250 (US$ 15 509 512). Auktionsuppskattningen hade varit tre till fem miljoner pund.
Les Demoiselles d’Avignon – Picasso
Les Demoiselles d’Avignon av Pablo Picasso, 1907. Olja på duk, 8 x 7′ 8″ (244 x 234 cm). Museum of Modern Art (Moma) New York.
Denna enorma målning (nästan åtta kvadratfot) av Picasso förespråkas som en av de viktigaste delarna av modern konst som någonsin skapats, om inte de viktigast, en avgörande målning i utvecklingen av modern konst. Målningen föreställer fem kvinnor — prostituerade på en bordell — men det finns mycket debatt om vad det hela betyder och alla referenser och influenser i det.
Konstkritiker Jonathan Jones1 säger:
”Det som slog Picasso med afrikanska masker [evident in the faces of the figures on the right] var det mest uppenbara: att de döljer dig, gör dig till något annat – ett djur , en demon, en gud. Modernism är en konst som bär en mask. Den säger inte vad den betyder; jag det är inte ett fönster utan en vägg. Picasso valde sitt ämne just för att det var en kliché: han ville visa att originalitet i konsten inte ligger i berättelsen eller moralen, utan i formella uppfinningar. Det är därför det är missriktat att se Les Demoiselles d’Avignon som en målning ”om” bordeller, prostituerade eller kolonialism.”
Källa:
1.
Pablo’s Punks av Jonathan Jones, The Guardian, 9 januari 2007.
”Woman with a Guitar” – Georges Braque
”Kvinna med en gitarr” – Georges Braque.
Independentman / Flickr
Georges Braque, Kvinna med en gitarr, 1913. Olja och kol på duk. 51 1/4 x 28 3/4 tum (130 x 73 cm). I Musee National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris.
The Red Studio – Henri Matisse
The Red Studio – Henri Matisse.
Liane / Lil’bear / Flickr
Denna målning finns i samlingen av Museum of Modern Art (Moma ) i New York. Den visar interiören av Matisses målarstudio, med tillplattat perspektiv eller ett enda bildplan. Väggarna i hans studio var faktiskt inte röda, de var vita; han använde rött i sin målning för effekt.
Visas i hans studio är olika av hans konstverk och bitar av studiomöbler. Konturerna av möblerna i hans ateljé är linjer i färgen som avslöjar färg från ett lägre, gult och blått lager, inte målade ovanpå det röda.
1. ”Vinklade linjer antyder djup, och det blågröna ljuset i fönstret förstärker känslan av inre rymd, men den röda vidden plattar ut bilden. Matisse förstärker denna effekt genom att till exempel utelämna den vertikala linjen i hörnet av rummet.” — MoMA Highlights, publicerad av Moma, 2004, sidan 77.
2. ”Alla element… sänker sina individuella identiteter i vad som blev en utdragen meditation över konst och liv, rum, tid, perception och själva verklighetens natur … ett vägskäl för västerländskt måleri, där den klassiska utåtriktade, övervägande representativa konsten från det förflutna mötte framtidens provisoriska, internaliserade och självrefererande etos…” – Hilary Spurling, , sida 81.
Det översta fotot visar Matisses färdiga målning med titeln Dansen, färdigställd 1910 och nu i State Hermitage Museum i St Petersburg, Ryssland. Det nedersta fotot visar den kompositionsstudie i full storlek han gjorde för målningen, nu i MOMA i New York, USA. Matisse målade den på uppdrag av den ryske konstsamlaren Sergei Shchukin.
Det är en enorm målning, nästan fyra meter bred och två och en halv meter hög (12′ 9 1/2″ x 8′ 6 1/2″) och är målad med en palett som är begränsad till tre färger: röd, grön och blå. Jag tror att det är en målning som visar varför Matisse har ett sådant rykte som färgare, särskilt när man jämför studien med den slutliga målningen med dess glödande figurer.
I sin biografi om Matisse (på sidan 30) säger Hilary Spurling:
”De som såg den första version av
Dance beskrev den som blek, delikat, till och med drömlik, målad i färger som förhöjdes… i den andra versionen till en hård, platt fris av vermiljonfigurer vibrerar mot band av ljust grönt och himmel. Samtida såg målningen som hednisk och dionysisk.”
Notera det tillplattade perspektivet, hur figurerna har samma storlek snarare än de som är längre bort från att vara mindre som skulle inträffa i perspektiv eller förkortning för representativa målningar. Hur linjen mellan det blå och gröna bakom figurerna är krökt, ekande cirkeln av figurer.
”Ytan färgades till mättnad, till den punkt där blått, idén om absolut blått, var definitivt närvarande. En ljusgrön för jorden och en levande vermilion för kropparna. Med dessa tre färger hade jag min harmoni av ljus och även renhet i tonen.” — Matisse
Källa:
”Introduktion till From Russian-utställningen för lärare och studenter” av Greg Harris, Royal Academy of Arts, London, 2008.
Kända målare: Willem de Kooning Willem de Kooning målar i sin ateljé i Easthampton, Long Island, New York, 1967.
Ben Van Meerondonk / Hulton Archive / Getty Images
Målaren Willem de Kooning föddes i Rotterdam i Nederländerna den 24 augusti 1904 och dog i Long Island, New York, den 19 mars 1997. De Kooning gick i lärling hos kommersiell konst- och dekorationsbyrå när han var 12 och gick kvällskurser vid Rotterdam Academy of Fine Arts and Techniques i åtta år. Han emigrerade till USA 1926 och började måla på heltid 1936.
De Koonings målarstil var abstrakt expressionism. Han hade sin första separatutställning på Charles Egan Gallery i New York 1948, med en samling verk i svart-vit emaljfärg. (Han började använda emaljfärg eftersom han inte hade råd med konstnärspigment.) På 1950-talet var han erkänd som en av ledarna för abstrakt expressionism, även om vissa purister i stilen trodde att hans målningar (som hans [the soups] Kvinna serier) som ingår inkluderar för mycket av den mänskliga formen.
Hans målningar innehåller många lager, element överlappade och dolda när han omarbetade och omarbetade en målning. Ändringar får visas. Han ritade flitigt på sina dukar i kol, för den första kompositionen och medan han målade. Hans penselarbete är gestalt, uttrycksfullt, vilt, med en känsla av energi bakom slagen. De sista målningarna såg klara men var inte.
De Koonings konstnärliga produktion sträckte sig över nästan sju decennier och inkluderade målningar, skulpturer, teckningar och tryck. Hans sista målningar Källa i slutet av 1980-talet. Hans mest kända målningar är
Pink Angels
(ca 1945),
Utgrävning
(1950), och hans tredje Woman serie (1950–53) klar i en mer målerisk stil och improvisationssätt. På 1940-talet arbetade han samtidigt i abstrakta och representativa stilar. Hans genombrott kom med hans svart-vita abstrakta kompositioner 1948–49. I mitten av 1950-talet målade han urbana abstraktioner, återvände till figuration på 1960-talet, sedan till de stora gestalabstraktionerna på 1970-talet. På 1980-talet övergick de Kooning till att arbeta på släta ytor, glasering med ljusa, transparenta färger över fragment av gestalteckningar.
American Gothic – Grant Trä
Kurator Jane Milosch på Smithsonian American Art Museum tillsammans med den berömda målningen av Grant Wood som kallas ”American Gothic”. Målningens storlek: 78×65 cm (30 3/4 x 25 3/4 tum). Oljefärg på Beaver Board.Shealah Craighead / Vita huset / Getty Bilder
American Gothic är förmodligen den mest kända av alla målningar som den amerikanska konstnären Grant Wood någonsin skapat. Det är nu i Art Institute of Chicago.
Grant Wood målade ”American Gothic” 1930. Den föreställer en man och hans dotter (inte hans fru 1) står framför sitt hus. Grant såg byggnaden som inspirerade målningen i Eldon, Iowa. Den arkitektoniska stilen är amerikansk gotisk, det är där målningen får sin titel. Modellerna för målningen var Woods syster och deras tandläkare.
2
. Målningen är signerad nära nederkanten, på mannens overall, med konstnärens namn och årtal (Grant Wood 1930).
Vad betyder målningen? Wood avsåg att det skulle vara en värdig återgivning av karaktären hos mellanvästernamerikaner, som visar deras puritanska etik. Men det skulle kunna ses som en kommentar (satir) om landsbygdsbefolkningens intolerans mot utomstående. Symboliken i målningen inkluderar hårt arbete (höggaffeln) och hemlighet (blomkrukor och förkläde med kolonialtryck). Om du tittar noga, kommer du att se de tre stiften på höggaffeln ekade i sömmen på mannens overall, som fortsätter uppför ränderna på hans skjorta.
Källa: American Gothic, Art Institute of Chicago, hämtad 23 mars 2011.
”Kristus av Johannes av Korset” – Salvador Dali
Christ of St John of The Cross av Salvador Dali, samling av Kelvingrove Art Gallery, Glasgow.Jeff J Mitchell / Getty Images
Denna målning av Salvador Dali finns i samlingen av Kelvingrove Art Gallery and Museum i Glasgow, Skottland. Den visades för första gången på galleriet den 23 juni 1952. Målningen köptes för 8 200 pund, vilket ansågs vara ett högt pris trots att den inkluderade upphovsrätten som har gjort det möjligt för galleriet att tjäna reproduktionsavgifter (och sälja otaliga vykort!) .
Det var ovanligt att Dali sålde upphovsrätten till en måla, men han behövde pengarna. (Upphovsrätten förblir hos artisten såvida den inte är undertecknad, se artistens upphovsrättsfrågor.)
”Dali hade tydligen ekonomiska svårigheter och bad först om 12 000 pund men efter en del hårda förhandlingar. .. han sålde den för nästan en tredjedel mindre och undertecknade ett brev till staden [of Glasgow] 1952 och avstod från upphovsrätten.
Målningens titel är en referens till teckningen som inspirerade Dali. Ritningen med penna och bläck gjordes efter en syn som Johannes av Korset (en spansk karmelitmunk, 1542–1591) hade där han såg Kristi korsfästelse som om han såg på den från ovan. Kompositionen är slående för sin ovanliga syn på Kristi korsfästelse, ljussättningen är dramatisk och kastar starka skuggor och stor användning av förkortning i figuren. Landskapet längst ner på målningen är hamnen i Dalis hemstad, Port Lligat i Spanien.
Tavlan har varit kontroversiell på många sätt: beloppet som betalades för det; ämnet; stilen (som verkade retro snarare än modern). Läs mer om tavlan på galleriets hemsida.
Källa:
”Surrealistiskt fall av Dali-bilderna och en kamp om konstnärlig licens” av Severin Carrell,
The Guardian
, 27 januari 2009
Campbells soppburkar – Andy Warhol Andy Warhols Soup Tin Paintings.
. Akryl på duk. 32 målningar vardera 20×16″ (50,8×40,6cm). I samlingen av Museum of Modern Art (MoMA) i New York.
Warhol ställde ut sin serie av Campbells soppburkmålningar för första gången 1962, med botten av varje målning vilande på en hylla som en burk skulle göra i en stormarknad. Det finns 32 målningar i serien, antalet soppsorter som såldes vid den tiden av Campbell’s.
Om du hade föreställt dig att Warhol skulle fylla sitt skafferi med burkar soppa och sedan äta en burk när han hade målat klart, ja det verkar inte vara så. Enligt Momas hemsida använde Warhol en produktlista från Campbell’s för att tilldela en annan smak till varje målning.
På frågan om det sa Warhol:
”Jag brukade dricka det. Jag brukade äta samma lunch varje dag, i tjugo år, antar jag, samma sak om och om igen.”
1
Warhol hade tydligen inte heller en ordning han ville ha målningarna visade i. Moma visar målningarna ”i rader som återspeglar den kronologiska ordningen i vilka [the soups] var introducerad, som börjar med ’Tomat ’ uppe till vänster, som debuterade 1897.”
Så om du målar en serie och vill att de ska visas i en viss ordning, se till att du noterar detta någonstans. Bakkanten på dukarna är förmodligen den bästa som då inte separeras från målningen (även om den kan döljas om tavlorna ramas in).
Warhol är en konstnär som ofta nämns av målare som vill göra härledda verk. Två saker är värda att notera innan man gör liknande tunna arbeten gs:
På Momas webbplats finns en indikation på en licens från Campbell’s Soup Co (dvs ett licensavtal mellan soppföretaget och konstnärens dödsbo) .
Upprätthållande av upphovsrätt verkar ha varit ett mindre problem på Warhols tid. Gör inte antaganden om upphovsrätt baserat på Warhols arbete. Gör din efterforskning och bestäm vilken oro du har när det gäller ett eventuellt upphovsrättsbrott.
Campbell gav inte Warhol i uppdrag att göra målningarna (även om de sedan beställde en till en avgående styrelseordförande 1964) och hade oro när märket dök upp i Warhols målningar 1962, med ett avvaktande tillvägagångssätt för att bedöma vad svaret var på målningarna. 2004, 2006 och 2012 sålde Campbells burkar med speciella Warhol-minnesetiketter.
Källa:
1. Som citerat på Moma, tillgänglig 31 augusti 2012.
Större Träd nära Warter – David Hockney
David Hockney Större träd nära Warter.
Överst: Dan Kitwood / Getty Images. Nederst: Foto av Bruno Vincent / Getty Images
Topp:
Konstnären David Hockney står bredvid en del av sin oljemålning ”Bigger Trees Near Warter”, som han donerade till Tate Britain i april 2008 .
Nederst:
Målningen ställdes ut första gången på sommarutställningen 2007 på Royal Academy i London, tar upp hela väggen.
David Hockneys olja målning ”Bigger Trees Near Warter” (även kallad
Peinture en Plein Air pour l’age Post-Photographique
) skildrar en scen nära Bridlington i Yorkshire. Målningen är gjord av 50 dukar placerade bredvid varandra. Tillsammans är den totala storleken på målningen 40×15 fot (4,6×12 meter).
Vid den tiden Hockney målade det var det det största verket han någonsin hade färdigställt, även om det inte var det första han skapade med hjälp av flera dukar.
”
Jag gjorde det här för att jag insåg att jag kunde göra det utan stege. När du målar måste du kunna ta ett steg tillbaka. Tja, det finns konstnärer som har dödats när de kliver tillbaka från stegar, eller hur?” — Hockney citerad i en nyhetsrapport från Reuter, 7 april 2008.
Hockney begagnade ritningar och en dator som hjälper till med komposition och målning. Efter att ett avsnitt var klart togs ett foto så att han kunde se hela målningen på datorn.
”Först skissade Hockney ett rutnät som visar hur scenen skulle passa ihop över 50 paneler. Sedan började han arbeta på enskilda paneler på plats. När han arbetade med dem fotograferades de och gjordes till en datormosaik så att han kunde kartlägga sina framsteg, eftersom han bara kunde ha sex paneler på väggen när som helst.”
Källa:
Charlotte Higgins,
Guardian konstkorrespondent, Hockney donerar enormt arbete till Tate, 7 april 2008.
Henry Moores krigsmålningar
Tube Shelter Perspective Liverpool Street Extension av Henry Moore 1941. Bläck, akvarell eller, vax och penna på papper.
Henry Moore-utställningen på Tate Britain Gallery i London pågick från 24 februari till 8 augusti 2010.
Den brittiske konstnären Henry Moore är mest känd för sina skulpturer, men också känd för sina tusch-, vax- och akvarellmålningar av människor som vistas i Londons tunnelbanestationer under andra världskriget. Moore var en officiell krigskonstnär, och Henry Moore-utställningen 2010 på Tate Britain Gallery har ett rum ägnat åt dessa. Tillverkad mellan hösten 1940 och sommaren 1941, fångade hans skildringar av sovande figurer hopkurade i tågtunnlarna en känsla av ångest som förändrade hans rykte och påverkade den populära uppfattningen av Blitz. Hans arbete på 1950-talet speglade krigets efterdyningar och utsikterna till ytterligare konflikt.
Moore föddes i Yorkshire och studerade vid Leeds School of Art 1919, efter att ha tjänstgjort i första världskriget. 1921 vann han ett stipendium till Royal College i London. Han undervisade senare vid Royal College samt Chelsea School of Art. Från 1940 bodde Moore på Perry Green i Hertfordshire, nu hem för Henry Moore Foundation. På Venedigbiennalen 1948 vann Moore International Sculpture Award.
”Frank” – Chuck Close
”Frank” – Chuck Clo se.Tim Wilson / Flickr
”Frank” av Chuck Close, 1969. Akryl på duk. Storlek 108 x 84 x 3 tum (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). I Minneapolis Institute of Art.
Lucian Freud Självporträtt och foto Porträtt Vänster: ”Självporträtt: Reflektion” av Lucian Freud (2002) 26×20 ” (66×50,8 cm). Olja på duk. Höger: Fotoporträtt taget december 2007. Scott Wintrow / Getty Images
Konstnären Lucian Freud är känd för sin intensiva, oförlåtande blick, men som detta självporträtt visar, vänder han det mot sig själv, inte bara sina modeller.
1. ”Jag tror att ett bra porträtt har att göra med … den känsla och individualitet och intensiteten i respekten och fokus på det specifika.” 1
2. ”…du måste försöka måla dig själv som en annan person. Med självporträtt blir ’likhet’ en annan sak. Jag måste göra vad jag känner utan att vara expressionist.” 2
Källa:
1. Lucian Freud, citerad i Freud at Work p32-3. 2. Lucian Freud citerad i Lucian Freud av William Feaver (Tate Publishing, London 2002), s 43.
”The Father Of Mona Lisa” – Man Ray
”The Father Of Mona Lisa” av Man Ray.
Neologism / Flickr
”The Father Of Mona Lisa” av Man Ray, 1967. Reproduktion av teckning monterad på fiberboard, med cigarr tillsatt. Storlek 18 x 13 5/8 x 2 5/8 tum (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). I samlingen av Hirshorn Museum.
Många förknippar Man Ray bara med fotografi, men han var också konstnär och målare. Han var vän med konstnären Marcel Duchamp och arbetade i samarbete med honom.
I maj 1999 inkluderade tidningen Art News Man Ray i deras lista över de 25 mest inflytelserika konstnärerna under 1900-talet, för hans fotografi och ”utforskningar av film, målning, skulptur, collage, assemblage. Dessa prototyper skulle så småningom kallas performancekonst och konceptuell konst.”
Art News sa:
”Man Ray erbjöd artister i alla medier ett exempel på kreativ intelligens som i sin ”strävan efter njutning och frihet” [ Man Ray’s stated guiding principles] låste upp varje dörr den kom till och gick fritt där den skulle.”( Citat Källa: Art News, maj 1999, ”Willful Provocateur” av AD Coleman.)
Detta stycke, ”The Far till Mona Lisa”, visar hur en relativt enkel idé kan vara effektiv. Det svåra är att komma på idén i första hand; ibland kommer de som en blixt av inspiration; ibland som en del av brainstorming av idéer; ibland genom att utveckla och driva ett koncept eller en tanke.
Kända målare: Yves Klein
Charles Wilp / Smithsonian Institution / Hirshhorn Museum
Retrospektiv:
Yves Klein-utställning på Hirshhorn Museum i Washington, USA , från 20 maj 2010 till 12 september 2010.
Konstnären Yves Klein är förmodligen mest känd för sina monokromatiska konstverk med hans speciella blå färg (se ”Levande målarpensel” till exempel). IKB eller International Klein Blue är en ultramarinblå han formulerade.
Han kallade sig själv ”rymdens målare”, Klein ”sökte uppnå immateriell andlighet genom ren färg” och sysslade med de ”samtida föreställningarna om konstens konceptuella natur”1
.
Klein hade en relativt kort karriär, mindre än tio år. Hans första offentliga verk var en konstnärsbok
Yves Peintures
(”Yves Paintings”), publicerad 1954. Hans första offentliga utställning var 1955. Han dog av en hjärtattack 1962, 34 år gammal. (Tidslinje av Kleins liv från Yves Klein-arkivet.)
Källa:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp?key=21&subkey=252, tillgänglig 13 maj 2010.
”Levande Pensel” – Yves Klein
Utan titel (ANT154) av Yves Klein. Pigment och konstharts på papper, på canvas. 102 x 70 tum (259 x 178 cm). I samlingen av San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA).
David Marwick / Flickr
Detta målning av den franske konstnären Yves Klein (1928-1962) är en av serierna han använde ”levande målarpenslar”. Han täckte nakna kvinnliga modeller med sin signaturblå färg (International Klein Blue, IKB) och sedan i ett stycke performancekonst inför en publik som ”målade” med dem på stora pappersark genom att rikta dem verbalt.
Titeln ”ANT154” kommer från en kommentar från en konstkritiker, Pierre Restany, som beskriver målningarna som producerats som ”antropometrier från den blå perioden.” Klein använde förkortningen ANT som serietitel.
Svartmålning – Ad Reinhardt Ad Reinhardts svarta målning.Amy Sia / Flickr
”Någonting är fel, oansvarig och sinneslös om färg; något omöjligt att kontrollera. Kontroll och rationalitet är en del av min moral.”
— Ad Reinhard 1960 1
Den här monokroma målningen av den amerikanske konstnären Ad Reinhardt (1913-1967) finns i Museum of Modern Art (Moma) i New York. Den är 60×60″ (152,4×152,4cm), olja på duk och målades 1960-61. Under det senaste decenniet och en bit av sitt liv (han dog 1967) använde Reinhardt bara svart i sina målningar.
Amy Sia, som tog fotot, säger att vaktmästaren påpekar hur målningen är uppdelad i nio rutor, var och en med olika nyans av svart.
Oroa dig inte om du inte kan se den på bilden. Det är svårt att se även när man står framför tavlan. I sin uppsats om Reinhardt för Guggenheim beskriver Nancy Spector Reinhardts dukar som ”dämpade svarta rutor som innehåller knappt urskiljbara korsformade former [that] utmanar synbarhetens gränser” 2
.
Källa :
1.
Färg i konst av John Gage, p205
2. Reinhardt av Nancy Spector, Guggenheim Museum (tillgänglig 5 augusti 2013)
John Virtue’s London Painting
Vit akrylfärg, svart bläck och shellack på duk . I samlingen av National Gallery i London.
Jacob Appelbaum / Flickr
Den brittiske konstnären John Virtue har målat abstrakta landskap med bara svart och vitt sedan 1978. På en DVD producerad av London National Gallery säger Virtue att arbeta i svart och vitt tvingar honom ”att vara uppfinningsrik … till återuppfinna.” Undvik färg ”fördjupar min känsla av vilken färg det finns … Känslan av det jag ser … är bäst och mer exakt och förmedlas mer genom att inte ha en palett av oljefärg. Färgen skulle vara en återvändsgränd.”
Detta är en av John Virtues målningar i London, gjorda medan han var en associerad konstnär vid National Gallery (från 2003 till 2005). Nationalgalleriets webbplats beskriver Virtues målningar som att de har ”släktskap med orientaliskt penselmåleri och amerikansk abstrakt expressionism” och har nära anknytning till ”de stora engelska landskapsmålarna, Turner och Constable, som Virtue beundrar enormt” samt att de är influerade av de ”holländska och flamländska landskap Ruisdael, Koninck och Rubens”.
Dygd ger inte titlar till sina målningar, bara siffror. I en intervju i aprilnumret 2005 av
Artist’s and Illustrators
magazine, säger Virtue att han började numrera sitt arbete kronologiskt redan 1978 när han började arbeta i monokromt:
”Det finns ingen hierarki. Det spelar ingen roll om det är 28 fot eller tre tum. Det är en icke-verbal dagbok över min existens.”
Hans målningar kallas bara ”Landskap No.45” eller ”Landskap No.630” och så vidare.
The Art Bin – Michael Landy
Foton av utställningar och kända målningar för att utöka dina konstkunskaper. Bilder från ”The Art Bin” a n utställning av Michael Landy på South London Gallery. Överst: Att stå bredvid soptunnan ger verkligen en känsla av skala. Nederst till vänster: En del av konsten i papperskorgen. Nederst till höger: En tung inramad tavla på väg att bli skräp.
Art Bin-utställningen av konstnären Michael Landy ägde rum på South London Gallery från 29 januari till 14 mars 2010. Konceptet är en enorm (600m
3) soptunna inbyggd i gallerirummet, där konst slängs, ”ett monument över kreativt misslyckande”1.
Men inte vilken gammal konst som helst; du var tvungen att ansöka om att slänga din konst i papperskorgen, antingen online eller på galleriet, med Michael Landy eller en av hans representanter som bestämde om den kunde inkluderas eller inte. Om den accepterades, kastades den i soptunnan från ett torn i ena änden.
När jag var på utställningen kastades flera bitar in, och personen som gjorde Att kasta hade haft mycket övning från hur han kunde få en tavla att glida rätt till andra sidan av behållaren.
Konsttolkningen leder ner på vägen för när/varför konst betraktas som bra (eller skräp), subjektiviteten i det värde som tillskrivs konsten, konstens insamling g, konstsamlares och galleriers kraft att skapa eller bryta konstnärskarriärer.
Det var verkligen intressant att gå längs sidorna och titta på vad som hade kastats in, vad som hade gått sönder (många polystyrenbitar) och vad som inte hade gått sönder (de flesta målningar på duk var hela). Någonstans längst ner fanns det ett stort dödskalletryck dekorerat med glas av Damien Hirst och ett verk av Tracey Emin. I slutändan skulle det som skulle kunna återvinnas (till exempel papper och dukbårar) och resten avsedd att gå till deponi. Begravd som skräp, osannolikt att grävas upp århundraden från nu av en arkeolog.
Källa:
1&2. #Michael Landy: Art Bin (http://www.southlondallery.org/docs/exh/exhibition.jsp?id=164), South London Gallery-webbplatsen, öppnad 13 mars 2010.
Barack Obama – Shepard Fairey
”Barack Obama” av Shepard Fairey (2008). Stencil, collage och akryl på papper. 60×44 inches.National Portrait Gallery, Washington DC. Gift of the Heather and Tony Podesta Collection till ära av Mary K Podesta.Shepard Fairey / ObeyGiant.com
Denna målning av USA-politikern Barack Obama, stencilerat collage med blandad media, skapades av Los Den Angeles-baserade gatukonstnären Shepard Fairey. Det var den centrala porträttbilden som användes i Obamas presidentvalskampanj 2008 och distribuerades i begränsad upplaga och gratis nedladdning. Den finns nu i National Portrait Gallery i Washington DC.
1. ”För att skapa sin Obama-affisch (vilket han gjorde på mindre än en vecka), tog Fairey ett nyhetsfoto av kandidaten från Internet. Han letade efter en Obama som såg ut som president… Konstnären förenklade sedan linjerna och geometrin och använde en röd, vit och blå patriotisk palett (som han leker med genom att göra den vita till en beige och den blå till en pastellfärg)… ord i fet stil…
2. ”Hans Obama-affischer (och många av hans kommersiella och konstverk) är omarbetningar av revolutionära propagandisters tekniker – de ljusa färgerna, djärva bokstäverna, geometriska enkelheten, heroiska poser.”
Källa:
”Obamas On-the-Wall Endorsement” av William Booth, Washington Post
18 maj 2008.
”Requiem, White Roses and Butterflies” – Damien Hirst
”Requiem, White Roses and Butterflies” av Damien Hirst (2008). 1500 x 2300 mm. Olja på duk. Med tillstånd från Damien Hirst och The Wallace Collection.
Prudence Cuming Associates L td / Damien Hirst
Den brittiske konstnären Damien Hirst är mest känd för sina djur bevarade i formaldehyd, men i hans tidiga 40-årsåldern återvände till oljemålning. I oktober 2009 ställde han ut målningar skapade mellan 2006 och 2008 för första gången i London. Detta är ett exempel på en ännu inte känd målning av en känd konstnär kommer från hans utställning på Wallace Collection i London med titeln ”No Love Lost.” (Datum: 12 oktober 2009 till 24 januari 2010.)
BBC News citerade Hirst som sa
”Han målar nu enbart för hand”, att i två år var hans ”målningar pinsamma och jag ville inte att någon skulle komma in.” och att han ”var tvungen att lära sig att måla på nytt för första gången sedan han var en tonårs konststudent.” 1
I pressmeddelandet som åtföljer Wallace-utställningen stod det:
”’Blue Paintings’ vittnar om en djärv ny riktning i hans verk; en serie målningar som, med konstnärens ord, är ’djupt kopplade till det förflutna’.”
Att sätta målarfärg på duk är verkligen en ny riktning för Hirst och där Hirst går , konststudenter kommer sannolikt att följa. Oljemålning kan bli trendigt igen.
About.com’s Guide to London Travel, Laura Porter, gick till pressen förhandsvisning av Hirsts utställning och fick svar på en fråga som jag var angelägen om att veta: Vilka blå pigment använde han?
Laura fick veta att det var ”preussisk blått för alla utom en av de 25 målningarna, som är svart.” Inte konstigt att det är så mörkt, rykande blått!
Konstkritiker Adrian Searle från
The Guardian
var inte särskilt positiv till Hirsts målningar:
”Som värst ser Hirsts teckning bara amatörmässig och tonår ut. Hans penselföring saknar den där glädjen och kraften som får dig att tro på målarens lögner, han kan inte ändå ta bort det.”
2
Källa:
1 Hirst ’Gives Up Pickled Animals’, BBC News, 1 oktober r 2009
2. ”Damien Hirst’s Paintings are Deadly Dull,” Adrian Searle,
Guardian, 14 oktober 2009.
Kända artister: Antony Gormley
Konstnären Antony Gormley (i förgrunden) på den första dagen av hans fjärde plintinstallationskonstverk på Trafalgar Square i London.
Jim Dyson / Getty Images
Antony Gormley är en brittisk konstnär kanske mest känd för sin skulptur Angel of the North, avtäckt 1998. Den står i Tyneside , nordöstra England, på en plats som en gång var ett kolverk och välkomnar dig med sina 54 meter breda vingar.
I juli 2009 såg Gormleys installationskonstverk på den fjärde sockeln på Trafalgar Square i London en volontär stå en timme på sockeln, 24 timmar om dygnet, i 100 dagar. Till skillnad från de andra plintarna på Trafalgar Square, har den fjärde sockeln direkt utanför National Gallery, ingen permanent staty på sig. Några av deltagarna var själva konstnärer och skissade sin ovanliga synvinkel (foto).
Antony Gormley föddes 1950 i London. Han studerade på olika högskolor i Storbritannien och buddhism i Indien och Sri Lanka, innan han fokuserade på skulptur vid Slade School of Art i London mellan 1977 och 1979. Hans första separatutställning var på Whitechapel Art Gallery 1981. 1994 Gormley vann Turner-priset med sitt ”Field for the British Isles”.
Hans biografi på sin hemsida säger:
…Antony Gormley har vitaliserat människobilden i skulptur genom en radikal undersökning av kroppen som en plats för minne och transformation, med sin egen kropp som subjekt, verktyg och material. Sedan 1990 har han utökat sin oro för det mänskliga tillståndet för att utforska den kollektiva kroppen och förhållandet mellan sig själv och andra i storskaliga installationer …
Gormley skapar inte den typ av figur han gör eftersom han inte kan göra statyer i traditionell stil. Snarare tar han glädje av skillnaden och den förmåga de ger oss att tolka dem. I en intervju med
The Times
1, han sa:
”Traditionella statyer handlar inte om potential, utan om något som redan är komplett. De har en moralisk auktoritet som är förtryckande snarare än kollaborativ. Mina verk erkänner deras tomhet.”
Källa:
Antony Gormley, mannen Who Broke the Mold av John-Paul Flintoff, The Times, 2 mars 2008.
Berömda samtida brittiska målare
Samtida målare.Peter Macdiarmid / Getty ImagesFrån vänster till höger, artisterna Bob och Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blake och Alison Watt.
Anledningen var en visning av målningen Diana and Actaeon av Titian (osedd, bort till vänster) på National Gallery i London, i syfte att samla in pengar för att köpa tavlan till galleriet.
Kända artister: Lee Krasner och Jackson Pollock
Lee Krasner och Jackson Pollock i östra Hampton, ca. 1946. Foto 10×7 cm. Jackson Pollock och Lee Krasner tidningar, ca. 1905-1984. Archives of American Art, Smithsonian Institution.
Ronald Stein / Jackson Pollock och Lee Krasner Papers
Av dessa två målare är Jackson Pollock mer känd än Lee Krasner, men utan hennes stöd och marknadsföring av hans konstverk kanske han inte har platsen i konstens tidslinje han gör. Båda målade i en abstrakt expressionistisk stil. Krasner kämpade för kritikerhyllning i sin egen rätt, snarare än att bara betraktas som Pollocks fru. Krasner lämnade ett arv för att etablera Pollock-Krasner Foundation, som ger bidrag till bildkonstnärer.
Stegestafli av Louis Aston Knight
Louis Aston Knight och hans stege staffli. c.1890 (Oidentifierad fotograf. Svartvitt fotografiskt tryck. Mått: 18cmx13cm. Samling: Charles Scribners Sons Art Reference Department Records, c. 1865-1957).Archives of American Art / Smithsonian Institution
Louis Aston Knight (1873–1948) var en Parisfödd amerikansk konstnär känd för sina landskapsmålningar. Han utbildade till en början under sin konstnärsfar, Daniel Ridgway Knight. Han ställde ut på den franska salongen för första gången 1894 och fortsatte att göra det under hela sitt liv samtidigt som han fick hyllning i Amerika. Hans målning
The Afterglow
köptes 1922 av USA:s president Warren Harding för Vita huset.
Det här fotot från Archives of American Art ger oss tyvärr ingen plats, men du måste tänka på att varje konstnär som är villig att vada i vattnet med sitt staffli -ladder and paints var antingen mycket dedikerad till att observera naturen eller ganska showman.
1897: A Women’s Art Class
En konstkurs för kvinnor med instruktören William Merritt Chase .Archives of American Art / Smithsonian Institution.
Detta foto från 1897 från Archives of American Art visar en kvinnlig konstklass med instruktören William Merritt Chase. På den tiden gick män och kvinnor i konstklasser var för sig, där kvinnor på grund av tiden hade turen att överhuvudtaget få en konstutbildning.
Konstsommarskola ca 1900
Sommarkonstskola 1900.
Archives of American Art / Smithsonian Institute
Konststudenter vid St Paul School of Fine Arts sommarkurser, Mendota, Minnesota, fotograferades ca 1900 med läraren Burt Harwood.
Mode åt sidan, stora solhattar är mycket praktiska att måla utomhus eftersom de håller sol ut ur ögonen och förhindrar att ditt ansikte blir solbränt (liksom en långärmad topp).
”Nelson’s Ship in en flaska” – Yinka Shonibar Nelson’s Ship in a Bottle on the Fourth Plint in Trafalgar Square av Yinka Shonibar.Dan Kitwood / Getty Images
Ibland är det ett konstverks skala som ger det dramatiskt genomslag, långt mer än motivet. ”Nelson’s Ship in a Bottle” av Yinka Shonibar är ett sådant stycke.
”Nelson’s Ship in a Bottle” av Yinka Shonibar är ett skepp på 2,35 meter högt inuti en ännu högre flaska. Det är en replik i skala 1:29 av viceamiral Nelsons flaggskepp, HMS
Victory
.
”Nelsons skepp i en flaska” dök upp på den fjärde sockeln på Trafalgar Square i London den 24 maj 2010. Den fjärde sockeln stod tom från 1841 till 1999, då det första i en pågående serie av samtida konstverk, beställda specifikt för sockeln av Fourth Plinth Commissioning Group.
Konstverket före ”Nelson’s Ship in a Bottle” var One & Other av Antony Gormley, där en annan person stod på sockeln i en timme, dygnet runt, i 100 dagar.
Från 2005 till 2007 kunde man se en skulptur av Marc Quinn,
Alison Lapper gravid, och från november 2007 var det Model for a Hotel 2007 av Thomas Schutte.
Batikdesignerna på seglen på ”Nelson’s Ship in a Flaska” var handtryckta av konstnären på duk, inspirerade av tyg från Afrika och dess historia. Flaskan är 5×2,8 meter, gjord av plexiglas inte glas, och flasköppningen tillräckligt stor för att klättra in för att konstruera skeppet.
Berlinmuren, en symbol för det kalla kriget och det delade Tyskland, restes av Östtyskland, officiellt känd som Tyska demokratiska republiken (DDR), den 13 augusti 1961. Det var en...
Om du planerar att utforska Italiens huvudstad under en weekend till Rom är det viktigt att du inte missar några av stadens sevärdheter. Det finns många historiska platser att se p...
Snus är en unik tobaksprodukt med djupa rötter i den skandinaviska kulturen, särskilt i Sverige. I denna artikel kommer vi att ta en närmare titt på snusets historia, dess framstäl...
Berättelsen om 1800-talet präglas av otaliga guldrusher som tände fantasin och ledde till stora migrationer. Guldfeber var lika smittsam på 1800-talet som scharlakansfeber. För vis...
Sidenvägen är faktiskt många vägar från Romarriket genom stäpperna, bergen och öknarna i Centralasien och Indien till Kina. Vid sidenvägen fick romarna silke och annan lyx. Östra i...
Kalsonger är en av de mest grundläggande delarna av en mans garderob, men deras historia sträcker sig över tusentals år och har utvecklats mycket under tiden. Denna artikel kommer ...
